Искусство Возрождения. Искусство Италии. Искусство Северной Италии в 15 в. Изобразительное искусство.

Искусство Падди. В изобразительном искусстве Северной Италии периода кваттроченто выдающаяся роль принадлежит Падуе. В культурной жизни Северной Италии Падуя издавна играла большую роль. Университетский город, один из центров гуманизма и научной мысли, Падуя стала источником распространения в Северной Италии принципов ренес-сансного искусства благодаря деятельности здесь ряда крупнейших флорентийских художников — Джотто (фрески капеллы дель Арена), Донателло (статуя Гаттамелатты и скульптура собора св. Антония), Паоло Учелло, Фра Филиппо Липпи. И все же, как и в других североитальянских городах, искусство Ренессанса формируется в Падуе лишь во второй половине 15 века.
Оживление художественной жизни в Падуе связано было с возникновением здесь большой живописной мастерской, возглавленной Франческо Скварчионе (1397—1474). Распространенное в кругах падуанских гуманистов преклонение перед античностью стало характерной чертой ренессансной живописи Падуи с самого ее появления. Страстный любитель древности, Скварчионе всячески направлял на нее внимание своих учеников. Сам Скварчионе был мало значительным мастером, но из его мастерской вышел крупнейший художник кваттроченто в Северной Италии Андреа Мантенья.
Андреа Мантенья. Творчество Андреа Мантеньи (1431—1506) выросло на сложной основе. С одной стороны, он был связан, как и его учитель, со стойкой в Падуе готической традицией, с другой — искусство его отмечено страстным увлечением античностью. Если на первых порах это увлечение сказывалось, главным образом, в археологически точном воспроизведении античных костюмов, оружия, введении классических архитектурных форм, то позднее он более глубоко воспринял искусство классической древности, которое помогло ему преодолеть унаследованные от готики черты условности.
Мантенья хорошо знал искусство Флоренции и, подобно некоторым флорентинцам, был увлечен изучением новых возможностей, которые открывала перед художниками линейная перспектива. Изображение человеческой фигуры в сложных и необычных ракурсах, построение перспективы с пониженной точки зрения, возможности иллюзорного решения росписи — проблемы, которые постоянно занимали Мантенью.
Но Мантенья был не только аналитиком. Его искусство страстно и патетично. Черты повышенной экспрессии, которая характеризует искусство североевропейской поздней готики, сочетаются в его произведениях с античным пафосом страдания.
Ранние произведения Мантеньи отмечены чертами суровости и величия. В фресках церкви Эремитани в Падуе (1448—1457) он рассказал эпизоды из истории св. Иакова с подлинным драматизмом. В сцене казни святого он представил момент, когда палач замахнулся тяжелым молотом, готовясь раздробить голову лежащего на земле святого. Жестокости этой сцены соответствует и суровость пейзажа, изображенного в виде бесплодной местности с возвышающейся в отдалении высокой, почти отвесной каменной скалой. Перспективные эксперименты Мантеньи нашли отражение в фреске «Шествие св. Иакова на казнь», где вся сцена представлена с пониженной точки зрения. Место действия на этот раз — античный город с величественными зданиями и арками. Увлечение античностью проявляется во всех фресках цикла. Повсюду мы встречаем античных воинов, воспроизведение античных костюмов, оружия, архитектуры. Вместе с тем в этих фресках сказывается и близость Мантеньи к северной готике, проявляющаяся в удлиненности фигур, жесткости и резкости контуров, угловатости движений.
Стилистически близок к этой росписи и исполненный Мантеньей вскоре после ее завершения алтарь для церкви Сан Дзено в Вероне (ок. 1457—1460).
Около 1458 года Мантенья по приглашению герцога Лодовико Гонзаго приехал в Мантую, с которой связана почти вся его дальнейшая деятельность. Из многочисленных работ, выполненных им для герцога, самой значительной является роспись мантуанского дворца (ок. 1468—1474). На стенах так называемой «брачной комнаты» Мантенья представил сцены из жизни герцога и его семьи. В этих росписях суровость раннего стиля Мантеньи несколько смягчается, резкость контуров сглаживается, моделировка становится более мягкой. Изображения эти являются первыми примерами группового портрета в западноевропейском искусстве.
Большой интерес представляет попытка иллюзорного решения плафона: над изображенным в ракурсе парапетом простирается безграничное небо с плывущими облаками. Подобные иллюзорные построения в то время еще не были известны европейскому искусству и получили распространение лишь намного позднее.
Мантенья был одним из первых крупных граверов. Ему принадлежит ряд прекрасных гравюр на меди, получивших широкую известность в Европе. Внося в них присущие ему величие, страстность, динамику, он впервые в Италии поднял гравюру до уровня большого искусства, оказав значительное влияние на развитие европейской графики.
Искусство Феррары. Во второй половине 15 века оживленная художественная деятельность наблюдается при дворе грецога д'Эсте в Ферраре. Сформировавшаяся в условиях полуфеодального герцогства живопись Феррары носит компромиссный характер. Это красочное, проникнутое светским духом искусство сохраняет еще многие черты готической традиции. Не преодолевая их радикально, феррарские мастера идут по пути насыщения своих картин множеством наблюденных в жизни подробностей, которые они не приводят в единую систему. Сильный отпечаток на живопись Феррары накладывает быт герцогского двора. Рассматриваем ли мы изображение из жизни герцога Борсо д'Эсте или произведение на религиозный или мифологический сюжет, везде мы видим пышно одетых галантных кавалеров и изящных, немного жеманных дам. Значительное влияние на развитие феррарской школы оказали живопись Нидерландов, а также искусство Падуи, где учились многие феррарские мастера.
Первым значительным художником феррарской школы был Козимо Тура (ок. 1430—1495), учившийся в Падуе у Скварчионе. Произведения этого экспрессивного и темпераментного художника еще во многом близки к готическим формам. Страстная возбужденность, изломанность движений, чрезвычайное обилие тщательно выписанных деталей, жесткость живописи — таковы черты, присущие работам этого мастера, как, например, его «Мадонна со святыми» (Берлин, Государственный музей), «Мадонна на троне в окружении ангелов» (Лондон, Национальная галерея).
Большей обобщенностью живописи и правильностью пропорций отличаются работы Франческо Косса (ок. 1436—1478), которому приписывается часть росписей в загородном увеселительном дворце герцогов д'Эсте, палаццо Скифанойя (1469—1470). Среди этих росписей особенный интерес представляют изображения из жизни герцога Борсо д'Эсте. Большой известностью пользуется также хранящаяся в Дрезденской галерее картина «Благовещенье» (1472), которая свидетельствует как об овладении мастером средствами линейной перспективы, так и о его пристрастии к обилию деталей.
В конце 15—первой трети 16 века в Ферраре работал Лоренцо Коста (1460— 1535), позднее перебравшийся в Болонью, где он написал одно из самых известных своих произведений — «Мадонну семьи Бентивольи» (1488). Поздние работы Косты отмечены влиянием искусства Высокого Возрождения.
Искусство Болоньи. В Болонье поздно сформировалась местная школа. Единственным значительным мастером кваттроченто был работавший на грани 15 и 16 веков Франческо Франча (1450—1517), автор многочисленных «Мадонн», художник, испытавший влияние венецианской живописи и обладавший красивым колоритом, но несколько вялый и однообразный.
Искусство Вероны. Яркой индивидуальностью был веронский живописец и медальер первой половины 15 века Антонио Пизано, прозванный Пизанелло (ок. 1395—1455). Творчество его еще тесно связано с традицией позднего треченто. Как и все мастера Вероны, издавна тяготевшей к североевропейской культуре, он испытал сильное влияние готики. Его фрески в веронских церквах — «Благовещенье» (церковь Сан Фермо) и «Св. Георгий» (церковь Санта-Анастасия) — проникнуты характерным для искусства Северной Италии духом рыцарской куртуазности. Вместе с тем произведения Пизанелло отмечены острым реализмом.
Превосходный портретист, он оставил несколько живописных профильных портретов и большое количество рисунков, из которых многие служили подготовительными эскизами к исполнявшимся им медалям . Пизанелло был пионером медальерного искусства в Италии. Необычайно тонкие по исполнению медали Пизанелло пользовались большим успехом в его время и еще долго служили образцом для последующих мастеров.
Искусство Венеции. Среди североитальянских городов одна только Венеция устояла против распространения монархических форм правления и сохранила республиканский строй. Венеция была патрицианской республикой. Раннее экономическое развитие города, сказочные богатства, скопившиеся в руках купечества в результате торговли с Константинополем и странами Северной Европы, обусловили выделение патрицианской верхушки буржуазии, захватившей управление городом и образовавшей замкнутую касту. Аристократизация венецианского патрициата и его консервативность в значительной мере явились причиной запаздывания венецианского Ренессанса, утвердившегося лишь во второй половине 15 века.
Связанная с Византией многовековым экономическим и культурным общением, Венеция долго оставалась верна византийским традициям в искусстве. Вместе с тем в конце 14 века здесь получает распространение готическое течение, которое начинает соперничать с византийским. О стойкости этих тенденций в венецианской живописи свидетельствует творчество Карло Кривелли (1430— 1495), произведения которого еще тесно связаны с готикой и окрашены чертами феодально-рыцарской культуры.
Ведущая роль в формировании собственно ренессансного искусства в Венеции принадлежит художникам семьи Беллини. Старший представитель ее — Якопо Беллини (1400—1470) в своих живописных произведениях еще архаичен, но оставленный им альбом рисунков (Лондон, Национальная галерея; Париж, Лувр) свидетельствует о большом интересе художника к перспективе и изображению человеческого тела. Эти новые начинания Якопо Беллини получили развитие в творчестве двух его сыновей — Джентиле и Джованни, которые испытали также значительное влияние Мантеньи и приехавшего в Венецию в 1475 году из Южной Италии живописца Антонелло да Мессина (1430—1479). Пребывание Антонелло да Мессина в Венеции оставило заметный след в венецианской живописи последней четверти XV века. Произведения этого мастера, сформировавшегося под влиянием нидерландского искусства и хорошо знакомого с искусством Средней и Северной Италии (в частности, с творчеством Пьеро делла Франческа и Мантеньи), отличаются большими живописными достоинствами — прекрасной передачей фактуры и материальности предметов, высоким чувством пластичности, теплым, золотистым колоритом. Пользуясь средствами линейной и воздушной перспективы, Антонелло да Мессина создает впечатление пространства и воздушной среды, что особенно удалось художнику в одной из самых известных его картин — изображении св. Себастиана (Дрезден, Картинная галерея) Антонелпо да Мессина познакомил венецианцев с тонкостями и секретами новой еще в то время в Италии техники масляной живописи, которая с этого времени становится преобладающей в венецианской живописи.
Старший из двух сыновей Якопо Беллини — Джентиле Беллини (1429— 1507) был художником повествовательных композиций, действие которых развертывается на фоне пейзажа и городских видов. Городские виды Джентиле представляют собой изображение современной ему Венеции и предвосхищают жанр ведутты. Так, в картине «Процессия тела Христова» (1496—1506, Венеция, Академия) шествие движется по площади перед собором св. Марка, причем художник со скрупулезной тщательностью изображает детали архитектуры собора и виднеющегося справа Дворца дожей, а также костюмы многочисленных участников процессии. Во многих картинах Джентиле отразились впечатления его поездки на Восток, в Константинополь, где он написал в 1480 году портрет султана Мохаммеда II (Лондон, Национальная галерея). Эта картина свидетельствует, что, достигнув больших успехов в изображении природы и городских видов, Джентиле еще очень условен в изображении человека. Обладая большими декоративными качествами, портрет Мохаммеда, вместе с тем, архаичен по исполнению и лишен выразительности.
Джованни Беллини. Только творчество младшего сына Якопо — Джованни Беллини (1430—1516) знаменует подлинную победу Возрождения в искусстве Венеции. За свою долгую жизнь Джованни Беллини прошел длинный путь развития. Если в ранних работах художника, отмеченных влиянием падуанской школы, еще чувствуется склонность к мелочной детализации, некоторая скованность в изображении человеческой фигуры, жесткость рисунка и моделировки, то в его зрелых работах эти черты исчезают. Простота и уравновешенность композиции, свобода и естественность движений фигур, обобщенность и полновесность форм, прекрасное чувство пространства характеризуют поздние работы Беллини. По тематике его картины мало отличаются от работ его предшественников; он пишет преимущественно алтарные картины, охотно обращается к аллегории, однако созданные им образы проникнуты ренессансным чувством достоинства и отмечены чертами гармонической красоты. Повествовательная сторона действия мало привлекает Джованни Беллини, чаще всего люди в его картинах погружены в состояние задумчивости и созерцательности. Зато он прекрасно умеет создать настроение, передать единство человека с окружающим его миром. Джованни Беллини присуще тонкое чувство природы. Пейзажи в его картинах никогда не сводятся к роли простого фона для фигур. Природа Беллини — это прекрасный и полный гармонии мир, в котором живет человек.
О том, какой силы индивидуальной характеристики, выразительности и яркости образа мог достигнуть Джованни Беллини, свидетельствует его портрет венецианского дожа Леонардо Лоредано (1501—1502). Достаточно сравнить его с портретами работы Джентиле, чтобы почувствовать, насколько Джованни Беллини опередил своего брата и все современное ему искусство Венеции. Вместо плоскостного изображения, в котором все внимание художника было сосредоточено на передаче внешнего физиономического сходства, перед нами портрет, позволяющий зрителю проникнуть во внутренний мир человека. Эта работа Беллини предваряет блестящий расцвет венецианского портрета в 16 веке.
Джованни Беллини был предшественником великих венецианских колористов. Пользуясь техникой масляной живописи, он добился глубокого звучания красок и создал основу для выдающихся колористических достижений венецианской живописи 16 века.
В своих поздних произведениях Джованни Беллини уже вплотную подходит к искусству Высокого Ренессанса. Прославленная алтарная картина художника «Мадонна со святыми» в церкви св. Захарии в Венеции (1505) отличается кристальной ясностью композиции, величавостью образов, необычайным красочным богатством. Поздние картины Беллини оказали большое влияние на формирование искусства Высокого Возрождения в Венеции, в котором ведущая роль принадлежала его великим ученикам Джорджоне и Тициану.



<<< Искусство Возрождения. Искусство Италии. Искусство Северной Италии в 15 в. Архитектура.

Искусство Возрождения. Искусство Италии. Искусство Высокого Возрождения. >>>

Иллюстрации к разделу >>>

© Sega 2005-2016
Рекламные статьи