«Дикие» (Фовисты).

Первая новая группа «диких» (фовистов), открывающая поток модернистских течений 20 века, выступила в осеннем Салоне 1905 года. Группа «диких» выдвигала единственный общий принцип — свободу живописных поисков, проявление субъективной точки зрения на мир. Название «дикие» появилось впервые в статье одного из критиков, упрекавших эту группу в предумышленном пренебрежении традиционными приемами живописного мастерства и в нарочитом искажении образа реального мира. Для группы «диких» в целом характерно стремление стоять в стороне от социальных конфликтов времени, устранить всякое общественное содержание в искусстве. Они первыми открыто провозгласили единственной цепью творчества художника чисто формальную задачу субъективного живописного видения. Вместе с тем в их программе ощущался дерзкий вызов, протест против мещанских вкусов буржуазии, против натурализма салонного искусства. Однако этот протест был ограничен лишь узкой сферой вопросов формы и средств выражения в живописи. Подобная установка создавала возможность объединения в одной группе совершенно различных по своим индивидуальным склонностям художников. Жизнерадостные ноты и стремление к декоративной красочности проявляются в творчестве Матисса, Рауля Дюфи (1877—1953) и частично в реалистических пейзажах Марке. Связь с реальностью предметного мира не порывается в этот период в работах Жоржа Брака (1882—1963), Мориса Вламинка (1876—1956) и Оттона Фриза (1879—1949), хотя их картины обнаруживают значительные элементы остро подчеркнутой пластической деформации. Примитивизм и геометризованная стилизация сказываются в картинах Андре Дерена (1880—1954). Резко пессимистический, искаженный образ человека, связанный с религиозно-мистическими настроениями, составляет основной характер творчества Жоржа Руо (1871—1958).
Однако вскоре группа «диких» распалась, ее участники пошли разными путями, зачастую сближаясь с иными художественными группами, меняя свои творческие принципы и приемы.
Анри Матисс. Во главе группы «диких» стоял Анри Матисс (1869—1954). С первых своих зрелых выступлений он ставит перед собой преимущественно декоративные задачи. Сам Матисс впоследствии говорил, что искусство призвано доставлять наслаждение, давать отдых и отвлечение от сложных мыслей, утомляющих современного человека. Матисс отыскивает самые лаконичные пластические отношения, которые бы позволили ему развернуть на холсте полное звучание ярких пятен открытого цвета. Сочетание плоских цветных пятен дополняется своеобразным использованием линий как средства ритмической орнаментации холста. Чем дальше, тем больше декоративные тенденции начинают преобладать в творчестве Матисса над непосредственным восприятием объемной формы. Характернейшими его произведениями являются «Испанка с бубном» (1909, Москва, ГМИИ), «Танец» (1909—1910, Эрмитаж), «Красные рыбки» (1911, ГМИИ), «Урок музыки» (1916—1917, Эрмитаж).
Матиссу мало приходилось работать над декоративными росписями, хотя они были предметом его стремлений. В 1932—1933 годах им была сделана роспись в Институте Барнеса в Филадельфии (США). Роспись построена на гармонии крупных плоских черных, серых, голубых и розовых пятен. В сочетании с неожиданными срезами и свободно льющимся арабеском линейного рисунка они создают причудливую вязь, красиво вплетенную в архитектурные объемы сводчатого зала. Здесь предметные качества изображаемого уступают место чисто декоративным мотивам, человеческие фигуры превращаются в орнамент, украшающий стену. Другие монументально-декоративные росписи были созданы Матиссом в «Капелле четок» в городе Ване (1950).
Наслаждение красотой яркого цвета и орнаментального течения линий связано у Матисса с тонким ощущением пространственных отношений и звонкости солнечного света. При всем разнообразии приемов живописной трактовки многие его картины, начиная с «Марокканки» (1913, Эрмитаж) до «Красной одалиски» (1928, Париж, частное собрание) и «Стоящей женщины» (1940-е гг.. Национальная галерея, Копенгаген), исполненной аппликацией из окрашенной бумаги, отличаются жизнерадостным, светлым восприятием многоцветного богатства мира.
Однако творчество Матисса не свободно от внутренних противоречий. Так, в некоторых его рисунках замечательно красиво и правдиво передается образ человека, в то время как в других налицо лишь самодовлеющие поиски затейливого линейного орнамента. То же противоречие сказывается и в его картинах, которые преувеличенная декоративность превращает, по существу, в произведения прикладного искусства, в картон для настенного ковра. Метод Матисса исключает раскрытие в картине сложных человеческих, а тем более социальных отношений и коллизий. Передавая лишь легкое и спокойное настроение, он ограничивает и сужает эмоциональное содержание своего искусства.
В 1911 году Матисс посетил Москву, впечатление от древнерусской живописи во многом определило его живописные поиски.
Матисс всегда был человеком прогрессивных воззрений, неоднократно выражал свои симпатии к Советскому Союзу. Он был убежденным антифашистом и одним из первых подписал Стокгольмское воззвание сторонников мира. Однако его прогрессивные взгляды и симпатии не получили достаточно определенного выражения в искусстве.
Амсдсо Модильяни. Черты субъективизма и деформации, присущие «диким», были свойственны и другим художникам, не входившим в эту группу. Эта тенденция, например, звучит в несколько болезненных и меланхоличных картинах итальянца Амедео Модильяни (1884—1920), работавшего в Париже. В своих портретах — «Крестьянский мальчик» (1917, Лондон, Галерея Тейт) и в изображениях обнаженной модели — «/Канна Эбютерн» (1918, Берн), «Лежащая» (Милан, собрание Маттиоли) — он часто деформирует натуру, стремясь своеобразным ритмом линий и особенностями колористических отношений выразить CDOII душевные переживания.



<<< Реалистическая скульптура в период между первой и второй мировыми войнами.

Кубизм. >>>

История искусства >>>

© Sega 2005-2016
Рекламные статьи