Искусство Возрождения. Нидерландское искусство 16 века. Живопись.

Живопись первой трети столетия носит черты переходного стиля. Развитие протекает постеп енно и медленно, без резкого разрыва с традициями. В творчестве ряда художников новые черты сочетаются со старыми. Вместе с тем намечается размежевание художественных направлений.
Квентин Массейс. Крупнейший из мастеров этого времени — Квентин Мас-сейс (1466—1530), уроженец Лувена, сложился под влиянием творчества Роже ван дер Вейдена и Мемлинга. С 1491 года он работал в Антверпене, где занимал очень видное положение. К наиболее значительным его произведениям относится триптих «Алтарь св. Анны», написанный для церкви св. Петра в Лувене (1507—1509, Брюссель). В нем отчетливо выражены новые, не знакомые искусству 15 века тенденции. Композиция центральной части отличается ритмической стройностью и строгим единством; она создает впечатление равновесия и торжественного покоя. Крупные фигуры симметрично расположены на фоне легкого купольного здания с тремя арками, сквозь которые виднеется синеватая даль пейзажа. Лица наделены идеализированными чертами. Вся картина выдержана в светлой, холодной красочной гамме. Монументальная композиция Массейса напоминает крупнофигурные, плоскостные композиции больших настенных ковров-шпалер. Ряд дошедших до нас шпалер начала 16 века стилистически очень близок к живописным работам художника. Высокое мастерство отличает изображения на внутренних и наружных створках, где показаны четыре сцены из истории Иоакима и Анны.
Написанный немногим позже по заказу цеха столяров для их часовни в Антверпенском соборе другой большой триптих — «Оплакивание Христа» (1508—1511, Антверпен) создан под впечатлением «Снятия с креста» Роже ван дер Вейдена. Об этом свидетельствует, в частности, рельефное расположение группы в узком пространстве переднего плана. Композиция решена, однако, по-новому. Скульптурная лаконичность и суровая патетика Роже чужды художнику. Выражение чувств, значительно более дифференцированных, смягчено и приглушено; сдержанная эмоциональность сочетается с изяществом поз и движений. Драматическая сцена приобретает черты торжественной церемонии. Формы тела переданы мягкой и нежной моделировкой. В противоречии с монументальным характером произведения живописная фактура отличается почти миниатюрной тщательностью. В сценах, изображенных на створках, — «Пире Ирода» (слева) и «Мучении Иоанна Евангелиста» (справа) художник значительно менее связан традицией. В поисках выразительности он прибегает к ярким контрастам. Так, утонченной грации Саломеи противопоставлена грубость палачей, нарочито выдвинутых на первый план.
Массейсу принадлежит ряд картин на религиозные темы. Часто он изображал Мадонну с младенцем. Эти картины отличаются мягкостью форм, плавностью движений, изысканным сочетанием нежных, переливающихся красок. Его женские фигуры обладают деликатным, хрупким строением, у них тонкий, удлиненный овал лица, изящные аристократические руки с длинными пальцами. Художник наделяет их более тонкими и сложными чувствами, чем мастера 15 века.
«Мадонна на троне» (ок. 1520, Берлин) с фигурами почти в натуру привлекает внимание мелодичностью струящихся, округлых линий, изяществом позы и тонной нежностью. Его «Магдалина» (Антверпен) — молодая женщина в модном наряде с грациозными жестами, полна мечтательной задумчивости. По гармоничности композиции, построенной на ритмическом чередовании овалов рамы, арки, лица, крышки сосуда, эта небольшая картина принадлежит к наиболее совершенным произведениям художника.
В творчестве Массейса можно найти отзвуки искусства Леонардо да Винчи, с некоторыми живописными произведениями и рисунками которого он был, очевидно, знаком по копиям. Мягкость форм и округлость линий в произведениях Массейса имеют что-то общее с творчеством Леонардо и его школы. Великий итальянец привлекал его внимание и еще в одном направлении — своими физиономическими штудиями. «Портрет старика» (Париж, Музей Жакмар Андре) — профильное изображение мужчины в берете с крючкообразным носом и отвислой нижней губой представляет собой переработку рисунка Леонардо из серии так называемых «Карикатур». Интерес Массейса к гротеску, к утрированному выделению отрицательных черт нашел яркое выражение в сатирических произведениях. До нас дошло одно из них — «Неравная пара» (Париж, собрание Пурталес), полуфигурная композиция, изображающая уродливого старика, любезничающего с молодой женщиной, передающей выманенный кошелек стоящему за ней ухмыляющемуся юноше. Морализующая тенденция, столь остро выраженная в этой сцене, по-видимому, вложена и в бытовую картину «Банкир и его жена» (1519, Париж), в которой молодая женщина, сидящая рядом с пристально рассматривающим монету мужчиной, перелистывает молитвенник. Картина эта написана всецело в традициях 15 века и, возможно, связана с утраченной картиной Яна ван Эйка того же содержания.
Массейс написал несколько портретов. Он не имел выработанной схемы портретного изображения и в каждом отдельном случае давал новые композиционные решения, меняя обрез, поворот фигуры, фон и т. д. Массейс строит характеристику изображенного не на скрупулезном анализе черт лица, а прибегая к вспомогательным приемам, изображая человека в определенном состоянии, выражаемом позой, взглядом, жестами, иногда вводя предметы, связанные с его деятельностью. Пожилой человек с печальным усталым лицом держит в руках письмо — «Мужской портрет» (1509, Винтертур). Неизвестный в широком берете, сняв очки и оторвавшись от лежащей перед ним книги, устремил взгляд вдаль, подняв правую руку (Франкфурт). Особое место занимает двойное — впоследствии разъединенное — изображение «Эразма Роттердамского» (Рим, галерея Корсики) и «Петра Эгидия» (Англия, замок Лонгфорд). Массейс был другом обоих гуманистов, о чем сообщает в письме Томас Мор, которому портреты были посланы в подарок в 1517 году. Основное внимание художника сосредоточено здесь на раскрытии профессиональных черт представителей ученого и литературного мира, изображенных в привычной обстановке.
Патинир. В небольшой картине Массейса «Искушение св. Антония» (Мадрид) фигурная группа размещена на фоне пейзажа, написанного Патиниром. Такое сотрудничество двух художников — новое, незнакомое в 15 веке явление, свидетельствующее о зарождении специализации художников. В то время как крупнейшие мастера первой половины 16 века целиком отдают свое время фигурной композиции, появляются живописцы, сосредоточивающие свои силы на разработке пейзажа. Пейзаж получает в их творчестве значение самостоятельного рода живописи. Наиболее известен из них Иоахим Патинир, уроженец Динана, работавший в 1515—1524 годах в Антверпене. Его картины, преимущественно небольшого размера, изображают библейские и евангельские сцены, развертывающиеся среди пейзажа. Подробное повествование разбивается иногда на несколько эпизодов, размещенных в разных частях картины. Фигуры, независимо от их масштаба, не играют решающей роли в общей композиции и не определяют основного впечатления от картины. Иногда они написаны другими художниками.
В картинах Патинира ландшафт расстилается перед взором зрителя подобно широкой панораме, открывающейся с возвышенности. Он не был зачинателем этого панорамного пейзажа. Подобный пейзаж мы встречаем и в произведениях И. Босха, однако он первый придал ему самодовлеющее значение. Пейзажи Патинира сочетают вымысел с правдой; они сочинены художником, но все отдельные элементы, из которых они составлены, тщательно наблюдены в природе и правдиво переданы в картине. Художник стремится передать в одной картине все многообразие форм земной поверхности. Здесь мы видим нагромождения причудливых серых скал, зеркальную гладь водоемов и рек, темно-зеленые рощи и перелески, равнины с возделанными полями и селениями. Для того чтобы придать изображению во всех его частях максимальную наглядность и отчетливость, Патинир умело комбинирует разные точки зрения — обычную для скал, деревьев, домов и очень высокую для равнин, дорог, озер, рек, вполне владея при этом перспективой. На первом плане обычно помещено высокое дерево, возвышающееся над горизонтом или срезанное верхним краем рамы. Патинир отчетливо выделяет отдельные планы; противопоставлением коричневато-зеленых цветов первого и среднего планов синему заднего плана он кладет начало схеме, которая будет господствовать вплоть до 17 века. К наиболее известным его произведениям относятся: «Крещение» (Вена), «Отдых на пути в Египет» (Мадрид), картина того же сюжета в Антверпене, «Св. Иероним» (Лувр). В конце жизни Патинир писал пейзажи с сельскими сценами без религиозного сюжета (Берлин).
Романисты. Большое значение, особенно для последующего развития, принадлежало направлению, получившему название «романизма». Оно характеризуется обращением к Италии. Художественные достижения Высокого Возрождения воспринимались как норма, которой необходимо следовать, чтобы приобщиться к вершинам новой гуманистической культуры. Как казалось представителям этого течения, преодолеть ограниченность национальной традиции и создать искусство, отвечающее новому мировоззрению, можно, только обращаясь к античности. Наряду с наследием Возрождения сильное влияние на этих мастеров оказывало современное им искусство итальянского маньеризма.
Нидерландский романизм не представлял собой цельного, монолитного течения. Итальянские элементы выступают у отдельных художников в сочетании с национальными. Романизм проходит длительный путь развития, изменяясь на отдельных этапах, в частности в связи с обращением к различным итальянским образцам.
Ян Госсарт. Первым романистом был Ян Госсарт (ок. 1475—1536). «Он посетил Италию, — пишет Мандер, — и был одним из первых, кто принес оттуда правила композиции, изображения сцен, наполненных обнаженными фигурами, и разнообразные мифологические темы, что не было обычно в его время для нашей страны». Он побывал в Риме в 1508 году в свите епископа Филиппа Бургундского, где по его поручению делал рисунки с античных статуй. Однако классические формы с их плавностью линий остались чужды художнику, и, передавая обнаженное тело, он обычно обращался к гравюрам Дюрера. В творчестве Госсарта национальная традиция еще очень сильна; он продолжает писать в старой живописной манере 15 века, вступающей в противоречие с его исканиями в области формы. В небольшом триптихе, центральная часть которого изображает Мадонну, окруженную ангелами (ок. 1512, Палермо), фантастическая готическая архитектура сочетается с фигурами младенца Христа и ангелов, созданными под влиянием школы Леонардо. Типичным романистом выступает Госсарт в ряде своих картин на мифологические сюжеты, образцом которых может служить большая картина «Нептун и Амфитрита» (1516, Берлин). Обнаженные фигуры, переданные в четко прорисованных объемных формах, напоминают мраморные статуи, а не живое человеческое тело. В других подобных произведениях, как «Адам и Ева» (Берлин), «Геркулес и Омфала» (б. собрание Кук, Ричмонд), пристальный интерес к замысловато извивающимся контурам и сложным поворотам свидетельствует о близком знакомстве художника с гравюрами с произведений Бронзино.
Госсарта интересовала наряду с анатомией и перспектива. «Даная» (1527, Мюнхен) изображена сидящей в круглой, открытой лоджии ренессансного характера. В картине «Евангелист Лука рисует Мадонну» (ок. 1515—1520, Прага) фигуры помещены в пышном дворцовом зале с грандиозным портиком, сквозь который открывается вид на далекую площадь. Однако одежды ложатся изломанными готическими складками.
Госсарт был вместе с тем острым и внимательным наблюдателем. Это выступает в его портретах, отличающихся детальным рисунком и энергичной лепкой. Госсарт работал при небольших феодальных дворах принцев бургундского дома, и все его портреты изображают высокопоставленных лиц. Правдивость характеристики сочетается в них с подчеркиванием значительности изображенного лица (поза, костюм, атрибуты).
Бернарт ван Орлей. К следующему поколению принадлежит Бернарт ван Орлей (ок. 1488—1541). Он работал в Брюсселе при дворе правительницы Нидерландов Маргариты Австрийской. Как художник сложился под влиянием Госсарта и Дюрера, но особенно большое значение имело для него знакомство с картонами Рафаэля на сюжеты из истории апостолов, находившимися в 1514—1519 годах в Брюсселе, где по ним ткали шпалеры. Орлей не столько заимствовал отдельные формы и мотивы, как Госсарт, сколько следовал композиционным приемам итальянских мастеров, особенно Рафаэля. Это холодный виртуоз, но, несомненно, обладавший чувством прекрасного. Одно из наиболее значительных его произведений — большая алтарная картина со сценами из истории Иова (1521, Брюссель). Фигуры переданы в сложных, стремительных движениях и смелых ракурсах, изображенная архитектура свидетельствует о хорошем знакойстве с итальянскими образцами. Орлей стремится сочетать драматизм в фигурах с изяществом в передаче архитектуры и деталей. Его картины выразительны, но лишены глубины чувств. Эти же черты отличают и его «Страшный суд» (1525, написан для Антверпенского собора).
Орлей выполнял рисунки, по которым изготовлялись витражи и шпалеры. Надо сказать, что разграничение функций между «сочинителем» и «исполнителем» становится характерной особенностью этого периода и приводит к заметному упадку живописной техники.
Лука Лейденский. Волна романизма не сразу захватила северные провинции. Лишь частично можно отнести к романистам такого мастера, как Лука Лейденский (ок. 1489—1533, Лукас ван Лейден), самого крупного из голландских художников всего 16 века, равно замечательного и в качестве живописца, и в качестве гравера и рисовальщика. Лука рано стал самостоятельным мастером (его первая гравюра помечена 1508 г.). Его графическое творчество сложилось под сильным влиянием Дюрера, а несколько позже — гравюр Маркантонио Раймонди, из которых он почерпнул свое знакомство с итальянским Ренессансом. В 1522 году он съездил во Фландрию, где сблизился с Госсартом.
Творчество Луки Лейденского отличается большим разнообразием. Особенно велико значение его графического творчества; им исполнены 174 гравюры на меди и свыше 30 рисунков для гравюры на дереве. Его отличают внимательное и пристальное наблюдение характерных особенностей изображаемых предметов, обстоятельность рассказа, умение передать душевные переживания людей. Он превосходно изображает массовые сцены. Гравюры Луки, за отдельными исключениями, отличаются высоким мастерством. Их характеризуют глубокие бархатистые и нежные серебристые тона. К числу наиболее известных его гравюр относится большой лист «Се человек» (1510), в котором изображена с превосходным знанием перспективы большая рыночная площадь, занятая на переднем плане оживленно жестикулирующей толпой, на суд которой выведен Христос. Главное внимание художника сосредоточено не на раскрытии драматической стороны сюжета, а на подробной характеристике пестрой и шумной уличной толпы. Вместе с тем он обладал и даром психологической характеристики. В гравюре «Давид и Саул» художник создал убедительный образ угрюмого Саула, растроганного игрой на арфе Давида — простого крестьянского парня. Тенденция к жанровой трактовке библейских и евангельских сюжетов характерна как для гравюр, так и для картин Луки. Его замечательная гравюра «Доярка» (1510) предваряет жанровые сцены из крестьянской жизни голландских художников 17 века.
Есть у Луки и картины, написанные непосредственно на бытовые темы. «Игра в шахматы» (ок. 1520, Берлин) изображает десять мужчин и двух женщин из бюргерской среды, поглощенных игрой. Фигуры изображены по пояс, на нейтральном фоне. Значительно свободнее компонована более поздняя картина на бытовую тему — «Игра в карты» (Англия, частное собрание). Его немногие живописные и рисованные портреты отличаются яркой выразительностью; среди них выделяются «Автопортрет» (Брауншвейг) и «Портрет неизвестного» (Лондон).
Мотивы итальянского Ренессанса впервые выступают в «Мадонне с младенцем» (1520, Берлин), где показан музицирующий ангел, хотя в грубоватых, простых лицах Мадонны и младенца это влияние совсем не чувствуется. В духе реализма выполнена центральная часть большого триптиха «Страшный суд» (1526, Лейден), где главное внимание художника уделено передаче обнаженных тел воскресших.
Шедевром художника является его большая картина «Исцеление Иерихонского слепца» (1531, Санкт-Петербург, Эрмитаж). В отличие от холодного колорита «Страшного суда», она отличается довольно пестрыми красками и сильными контрастами света и тени. Как и в гравюре «Се человек», внимание художника посвящено не столько главным действующим лицам, сколько многоликой толпе свидетелей «чуда». Сюжет рассказан с массой побочных подробностей, с изобилием второстепенных эпизодов; группы распределены с большим мастерством. Художник как бы вводит нас в гущу толпы, заполняющей лесную поляну. Остро охарактеризованы помещенные на наружной стороне створок фигуры воина и нарядной девушки, держащих гербы заказчиков.
Ян Скорель. Крупнейшим представителем романизма в Северных Нидерландах был Ян Скорель (1495—1562). Первый толчок направлению его творчества дало знакомство с Госсартом в 1515 году. В 1520 году он через Италию направился с группой голландских паломников в Палестину, а на обратном пути провел в Италии около двух лет (1522—1524). Вернувшись на родину, он поселился в Утрехте, где занимал должность каноника и работал в качестве живописца и архитектора, занимаясь также поэзией и музыкой. На его творчество оказала влияние наряду с классическим искусством римского Ренессанса венецианская живопись (Джорджоне и Пальма). Скорель был прирожденным живописцем. Его внимание привлекали атмосфера, солнечный свет и богатство оттенков. Свет в его картинах служит не средством передачи пластической формы, а средой, в которую погружены предметы; он не изолирует, а объединяет. Одним из характерных его произведений может служить «Магдалина» (Амстердам). Молодая женщина в нарядном платье и модной прическе представлена сидящей на фоне пейзажа. В тщательной передаче материальных особенностей тканей, волос, металла Скорель остается типичным нидерландцем. Тонко передана воздушная перспектива пронизанного светом ландшафта. Влияние Италии проявилось здесь лишь в общем характере композиции, ее уравновешенности, соотношении фигуры с пейзажем. В «Крещении» (Гарлем) обнаженные фигуры отражают влияние Микеланджело. Патетическим жестам и позам соответствует героический характер пейзажа.
Скорель занимает видное место в развитии портрета. Ему принадлежит несколько групповых портретов членов братства нидерландских паломников (четыре в Утрехте и один в Гарлеме). Они изображены погрудно, двумя рядами, образуя нечто вроде процессии. Лица индивидуализированы. Эти портретные изображения (они исполнены в 1525—1529 гг.) кладут начало новому виду портретной живописи, который получил дальнейшее развитие во второй половине века.
В одиночных портретах Скорель стремится выделить главное, раскрыть духовное существо человека, передать характерные жест и позу. К лучшим его портретам относятся «Портрет Агаты ван Схонховен» (1529, Рим, галерея Дориа) и «Портрет неизвестного» (Берлин; портрет является частью диптиха, левая створка которого с изображением Мадонны с младенцем находится в Тамбове).
Мартин ван Гемскерк. В мастерской Скореля работал в молодые годы Мартин ван Гемскерк (1498—1574), совершивший уже в зрелые годы длительную поездку в Рим (1532—1535). Здесь его внимание было поглощено изучением античных сооружений и скульптуры, рисунки с которых наполняли его альбомы (два из них — в гравюрном кабинете в Берлине). Его живопись показывает, что он был увлечен творчеством Микеланджело, которому он стремился подражать, изображая сильные, мускулистые тела.
О его творчестве хорошее представление дает его триптих «Распятие» (Санкт-Петербург, Эрмитаж), позволяющий судить и о несомненных его достоинствах как колориста. Его картина «Евангелист Лука и Мадонна» (Ренн) весьма любопытна для характеристики художественной мастерской, типичной для нового этапа романизма. Лука работает в зале, наполненном античными статуями и фрагментами; рисование со слепков входит отныне в практику художественного обучения. В своем «Автопортрете» художник изобразил себя на фоне античных руин.
Гемскерк был превосходным портретистом, о чем свидетельствуют, в частности, портреты заказчиков на эрмитажном триптихе. К лучшим работам этого рода принадлежит парный портрет, изображающий Анну Кодде за прялкой и ее супруга Питера Биккера, считающего деньги (1529, Амстердам), и особенно «Семейный портрет» (Кассель). Последний отличается свободным размещением фигур и жизненностью характеристики. Великолепно написан также натюрморт в картине в виде снеди и утвари на столе, перед которым расположилась семья.
Поздний романизм в Южных Нидерландах. Современником Гемскерка в Южных Нидерландах был работавший в Льеже Ламберт Ломбард (1506—1567), представлявший собой тип ученого гуманиста, всесторонне образованного человека, знатока античного искусства. Из его мастерской вышел наиболее значительный из поздних романистов — Франс Флорис (1518/20—1570), с 1520 года возглавлявший большую мастерскую в Антверпене. В его мастерской в качестве сотрудников работал ряд молодых художников, выполнявших большие композиции, пользуясь подготовительными этюдами и эскизами мастера. Организация этой мастерской как бы предвосхищает организацию мастерской Рубенса. Флорис совершил поездку в Италию, где изучал Микеланджело и видел только что законченный «Страшный суд». В 1554 году он написал для антверпенского собора большую композицию — «Падение ангелов» (Антверпен, музей). Все пространство картины заполнено обнаженными телами, изображенными в сложных и смелых движениях. Отличаясь превосходным рисунком, это холодное, виртуозное произведение оставляет нас равнодушными. Художник целиком исходит из пластики, передача воздуха, пространства, света его не интересует. Творчество Флориса эклектично. Он испытал влияние не только Микеланджело, но и Тинторетто, а также флорентийских маньеристов. В то же время он был значительным портретистом, как это видно из «Портрета Сокольничего» (Брауншвейг) — одна из очень немногих его работ в этом жанре.
Портретисты. Значение портрета и спрос на него настолько возросли во второй половине века, что появились художники, всецело посвящающие себя этой отрасли живописи. Крупнейшим нидерландским портретистом 16 века был ученик Скореля — Антонис Мор (1519—1576). Уроженец Утрехта, куда он вернулся на склоне лет, Мор работал с 1547 года в Антверпене, а в 1550—1554 годах жил в Италии, Испании и Англии, 1556—1559 годах — в Брюсселе и снова в Испании. Мор был портретистом королей, знати, крупных государственных деятелей. Им создана целая историческая портретная галерея, запечатлевшая образы вершителей политических судеб Европы — Филиппа II, своенравной и злой Марии Тюдор, холодного, жесткого и надменного герцога Альбы (Брюссель), умного и осторожного Вильгельма Оранского и других. Мор — проницательный и острый наблюдатель, однако его портреты отличаются большой сдержанностью и холодной элегантностью. Обычно он прибегал к крупному формату, изображая фигуру в рост или по колена. Известное влияние на него оказало знакомство с портретным искусством Тициана, сказывающееся как в композиции, так и в колорите.
В Северных Нидерландах сложился во второй половине века новый жанр группового портрета. Его появление связано с объединением горожан в стрелковые гильдии, получившее особое значение в период борьбы за национальную независимость. Эта разновидность портретной живописи развилась в Амстердаме и немнрго позднее в Гарлеме. Основная проблема, стоявшая перед художниками, писавшими подобные портреты, состояла в том, чтобы передать портретное своеобразие каждого из членов коллектива и вместе с тем добиться передачи единства коллектива. Обычно изображенные обращены к зрителю, как бы вступая с ним в общение. Связь между изображенными обычно устанавливается с помощью жестов, которыми один из участников указывает на других. Так подошел к этой задаче Дирк Якобе (1500—1567) в двух своих портретах амстердамских стрелков (1532 и 1561, Санкт-Петербург, Эрмитаж), где изображенные размещены в два ряда. К. Тейнис-сен в стрелковом портрете 1533 года (Амстердам) и Дирк Барендс в портрете 1568 года (Амстердам) размещают стрелков за пиршественным столом. Этот тип портрета получает свое дальнейшее развитие в Гарлеме и достигает вершины в творчестве Ф. Гальса. К. Кетель (1548—1616) в портрете «Стрелковой роты капитана Розенкранца» (1588, Амстердам) открывает новый этап в развитии группового портрета в Амстердаме, изобразив стрелков на смотре.
Бытовая живопись. Во второй половине 16 века выделяется в самостоятельную отрасль живописи бытовая картина. Крупнейшим художником этого жанра был Питер Артсен (1508—1575), деятельность которого протекала до 1557 года в основном в Антверпене, а затем в Амстердаме. В своих ранних произведениях на религиозные темы он еще близок искусству романистов. Однако реалистическая направленность последующих произведений противостоит идеалистическим устремлениям поздних романистов.
Основное место в его творчестве занимают произведения на темы из крестьянской жизни. Он пишет картины больших размеров, с крупными фигурами, сочетая правдивость с исканием декоративных эффектов. В более ранний период он писал и небольшие картины с большим числом мелких фигур («Апостолы Петр и Иоанн исцеляют больного», Санкт-Петербург, Эрмитаж).
В зрелом творчестве наряду с чисто бытовыми картинами он пишет религиозные сцены, которые трактуются в чисто жанровом плане. Часто он занимает весь первый план обильным натюрмортом из овощей и всякой снеди, отводя для религиозной сцены задний план («Христос в доме Марфы и Марии», Роттердам и Брюссель).
Художник часто изображает крестьянские пирушки во дворе сельской усадьбы («Крестьянский праздник», 1551, Вена; «Танец среди яиц», 1557, Амстердам). В картинах подобного рода иногда большое место занимает натюрморт. Его «Мясная лавка» с огромными тушами, окороками, колбасами (Упсала) является грандиозным натюрмортом монументального характера. В таких картинах Артсен выступает предшественником фламандцев 17 века — Сней-дерса и Иорданса.
Некоторые картины Артсена изображают одну крупную фигуру бытового характера («Кухарка», 1559, Брюссель; «Крестьянин», 1561, Будапешт). Как бы односторонне ни передавал крестьянскую жизнь Артсен, он был первым художником, в чьем творчестве демократическая тематика, повседневная жизнь заняли главное место. Монументализация образа простого человека в его картинах отражает рост национального самосознания и силу демократических элементов в период начала решительной борьбы за независимость.
Его учеником и последователем был И. Бейкелар (1535—1574). Творчество Артсена и Бейкелара нашло отражение также в искусстве Италии и Испании (например, в раннем творчестве Веласкеса).
Питер Брейгель. Величайшим художником Нидерландов в 16 веке был Питер Брейгель Старший (ок. 1525/30—1569), принадлежащий к самым значительным мастерам всей истории живописи. В отличие от творчества романистов искусство Брейгеля национально по форме и содержанию. Сознательно отказываясь от всякого внешнего подражания итальянским образцам, Брейгель вместе с тем глубоко изучил искусство Италии, как показывает внимательный анализ его произведений. В противоположность идеалистическим тенденциям романизма искусство Брейгеля ярко отражает современную художнику жизнь. Имея глубокие корни, восходящие не только к искусству 15 века, но и к средневековью, связанное с фольклором творчество Брейгеля носит передовой характер — оно представляет собой новый этап в развитии нидерландской живописи. В его произведениях отразились мысли и чувства демократических кругов в период подготовки буржуазной революции. Проникнутое глубоким философским и социальным содержанием, искусство Брейгеля органически связано с культурой нидерландского гуманизма. Известно, что он был связан дружескими узами с рядом передовых людей своего времени — знаменитым географом Ортелием, мыслителем Коорн-хертом, ученым издателем Плантеном.
Брейгель начал свою художественную деятельность в мастерской романиста Кука ван Альста и в соответствии с традициями романизма совершил в 1552— 1553 годах поездку в Италию. В ранние годы он создает большое количество рисунков, работая в тесном общении с И. Коком — гравером и издателем, воспроизводящим в гравюрах эти работы художника. Значительное место среди них занимает пейзаж; художник стремится запечатлеть грандиозные и суровые альпийские ландшафты, поразившие его воображение, и характерные черты родного брабантского пейзажа. В 1556—1559 годах он создает ряд аллегорических и сатирических композиций, гравированных Коком, в которых он обращается к образам народной фантазии. Большое влияние на него оказывает в это время творчество Босха.
Брейгель вскрывает в этих листах пороки и недостатки общества, в котором господствуют глупость, злые инстинкты и несправедливость. Таковы «Осел в школе» и цикл «Семи грехов» и «Семи добродетелей». С фольклором и народной сатирой связаны и ранние живописные произведения художника: «Битва масленицы и поста» (1559, Вена), «Пословицы» (1559, Берлин, Далем), «Детские игры» (1560, Вена), отличающиеся общностью композиционных приемов. На городской площади лли деревенской улице («Пословицы»), показанной с высокой точки зрения, изображено множество отдельных сценок, в которых участвует большое число людей. Внимание художника устремлено не на передачу индивидуальных особенностей людей, а на передачу многоликой толпы. Фигурки выделяются четкими силуэтами, образуя ряд ярких, цветистых пятен — синих, красных, желтых, коричневых. В «Битве масляницы и поста» действие подчинено единой теме, главные участники которой помещены на первом плане. В «Пословицах» все эпизоды — каждый из которых иллюстрирует одну пословицу — занимают равное место, как и в «Детских играх». Художник иллюстрирует каждую пословицу исходя из ее буквального смысла. Картины эти изображают «мир наизнанку», вскрывая с беспощадной иронией глупость и зло, царствующие в мире и управляющие поведением людей. «Игры детей», дающие целую энциклопедию детских игр, проникнуты добродушным юмором.
В 1562 году Брейгель пишет картину «Падение ангелов» (Брюссель), составляющую яркий контраст к большой картине Флориса на эту тему. В произведении Брейгеля вновь оживает демоническая фантастика Босха. Все пространство картины заполнено летящими ангелами и существами, созданными фантазией художника. В них сочетаются отдельные элементы насекомых, рыб, лягушек. Несколько картин этого же времени посвящено изображению войны. Потрясающей силы в изображении стихии разрушения, всесильной власти смерти, царствующей на полях сражений, озаренных заревом пожарищ, Брейгель достигает в картине «Триумф смерти» (1562, Мадрид). Однако постепенно намечается отход от аллегорической трактовки темы и фантастики к реалистическому изображению. В «Вавилонской башне» (1563, Вена) аллегорический смысл сочетается с изображением процесса строительства грандиозного сооружения.
Картины на евангельские сюжеты, созданные в шестидесятые годы, непосредственно отражают реальную обстановку, сложившуюся в эти годы в Нидерландах. Мастера 15 века наивно переносили библейские эпизоды в современную им обстановку. Брейгель следует этой традиции сознательно, воплощая в форме евангельских легенд события современной жизни. Поэтому его картины имеют всегда иносказательный смысл. В «Несении креста» (1564, Вена) фигура Христа почти затерялась среди толпы, и только Мария и Иоанн на первом плане связаны с евангельским событием. Поле с орудием казни окружено всадниками, телега везет осужденных, солдаты отталкивают крестьян, со страхом и любопытством остановившихся перед страшным зрелищем. Перед нами как бы оживают сцены расправы с еретиками. В «Избиении младенцев» (Вена) солдаты врываются в дома деревни, занесенной снегом, отнимают у крестьян их скудное достояние.
В 1565 году Брейгель вновь обращается к пейзажу и создает цикл из ряда картин (их известно пять), характеризующих смену времен года. В этих картинах Брейгель изображает мир природы в тесном единстве с жизнью людей. В суровый зимний день бредут по покрытому снегом холму среди голых деревьев охотники со сворой собак («Охотники на снегу», Вена). «Пасмурный день» (Вена) переносит нас в обстановку раннего утра начала весны. «Сенокос» (Прага) — в атмосферу насыщенного трудом жаркого лета. В «Возвращении стада» (Вена) — передана прозрачность осеннего дня. В этих пейзажах Брейгель достигает огромной силы обобщения. Он проявляет в них изумительное композиционное мастерство, стремясь в самом построении картины, распределении основных масс, линий, силуэтов выявить характерное и типическое в каждом из образов природы. Замечательно переданы атмосферные эффекты. Природа выступает у Брейгеля как арена трудовой деятельности человека. Ирония и пессимизм предшествующих произведений сменяются здесь оптимистическим мироощущением. Одной из выдающихся пейзажных работ Брейгеля, не связанной с данным циклом, является «Марина» (Вена), в которой с огромной силой передана мощная водная стихия.
Изображению крестьянской жизни посвящены две большие картины 1566 года — «Крестьянская свадьба» и «Крестьянский танец» (Вена), являющиеся подлинными шедеврами художника. В отличие от более ранних произведений фигуры даны в крупном масштабе. Композиция этих картин отличается удивительной цельностью и ясностью, все подчинено строгой закономерности. В «Крестьянском танце» передан ритм движений пляшущих. В «Крестьянской свадьбе» художник с огромной убедительностью передал впечатление уходящей вглубь комнаты, поместив стол, за которым расположились пирующие, по диагонали к плоскости картины. В этих произведениях люди уже не безликие существа, как в более ранних картинах, а живые индивидуальности.
В своих последних произведениях художник вновь возвращается к темам, в которых чувствуются отзвуки тревожных событий современности. К ним принадлежит «Танец под виселицей» (1568, Дармштадт). Контрастом к этой проникнутой оптимизмом картине является написанная в том же году картина «Слепые» (Неаполь), одно из самых выдающихся произведений художника, полное глубокого содержания. С потрясающей силой переданы неуверенные движения спотыкающихся слепцов, которых увлекает за собой в овраг упавший слепец-поводырь. Мы не знаем, что хотел выразить в этом произведении художник, — горькую судьбу людей, лишенных твердого руководства, слепоту человечества, влекомого горькой судьбой в пропасть, или еще что-либо иное, но по силе производимого впечатления и по яркости образов оно может быть причислено к самым значительным созданиям мирового искусства.
Искусство Брейгеля является завершающим итогом развития искусства двух столетий. Он не дожил до революции, определившей дальнейшие судьбы Нидерландов.



<<< Искусство Возрождения. Нидерландское искусство 16 века. Архитектура.

Искусство Возрождения. Искусство Германии. Немецкое искусство 15 века. >>>

Иллюстрации к разделу >>>

© Sega 2005-2016
Рекламные статьи